lonarte 11

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2012-02-08T02:21:00.000-08:00

ANA PIMENTEL

2011-09-20T04:20:00.000-07:00

Nasceu em Ermesinde em 1965

Estudos

Licenciatura em Artes Plásticas | Pintura da Escola superior de Belas Artes do Porto.

Curso de Litografia da Cooperativa Árvore do Porto.

Vive e trabalha no Porto

" ESTA BELEZA EXISTE "

Hinos de Vida é assim que se caracteriza a obra de Ana Pimentel. A artista reúne na sua obra uma complexidade de culturas e memórias, lugares, cheiros, cores e vivências de um passado remoto mas intemporal. Numa harmoniosa e impactante homenagem à vida Ana Pimentel utiliza uma linguagem de sinais e formas geométricas referenciadas na cultura tradicional Portuguesa ( arquitectura, festividades, folclore, ornamentos, rosáceas, mosaico, bordados, flores, rendas… ) bem como símbolos associados à paz, harmonia e felicidade ou mesmo ao erotismo e amor.

O objectivo, é aproximar e fundir formas e espaços, numa pintura que se acumula através de camadas de tinta acrílica com efeitos de calor e luz, utilizando vários e diferentes materiais do uso recorrente, tecidos, fios, texturas e padrões interligando-os, recortando-os, repetindo-os ou sobrepondo-os de forma a impregnar a sua obra de uma peculiar e impactante alegria, paixão, amor e vida! Estas composições coloridas intensas e brilhantes são trabalhadas segundo uma determinada organização espacial e mediante um sentido intuitivo pensado, e cuidadoso processo de trabalho.

ÂNGELA COSTA

2011-09-20T04:17:00.000-07:00

Nasceu na ilha da Madeira em 1930

Estudos

Licenciada pela ESBAL onde foi aluna em Gravura dos professores Teixeira Lopes e Matilde Marçal.

Vive e trabalha na ilha da Madeira

Recordação de infância

Uma das minhas recordações de infância são os bordados. O meu pai tinha uma Casa de Bordados. Aí fazia-se tudo menos bordar: Lavava-se as diversas peças, recortava-se as partes bordadas, engomava-se com ferros de engomar a gasolina e que faziam muito barulho. O que eu via trabalhar era principalmente toalhas. Soube que essas toalhas eram bordadas no campo, nos quintais e nos alpendres, depois vinham já prontas.

Quando eu era pequenina tudo isto era um entretenimento para mim. Passava horas a observar todas essas operações.

Também gostava muito de conversar com as operárias e de assistir ao almoço delas. Levavam o almoço numa malinha de vime ou num cestinho.

A maior parte das vezes comiam milho cozido com cebola picada ou com café preto. Eu achava esquisito elas comerem sempre isso e não percebia muito bem se elas comiam isso porque gostavam ou porque não tinham outra coisa.

E agora?

Agora, os bordados da Madeira acho que são mesmo uma recordação de infância. Talvez por isso me apeteceu brincar com desenhos de toalhas…

Ângela Costa

JOÃO LEONARDO

2011-09-20T04:12:00.000-07:00

Nasceu em 1974 em Odemira

Estudos

Masters Programme in Fine Art / Malmö Art Academy – Lund University Malmö,Suécia em 2007 / 2009.

Programa de Estudos Independentes / Maumaus – Escola de Artes Visuais Lisboa, Portugal em 2002 / 2005.

Advanced Diploma in Graphic Design / Billy Blue College of Design / Sydney, Austrália em 1999 / 2001.

Licenciatura em História da Arte / FCSH – Universidade Nova de Lisboa Portugal em 1992 / 1996.

Vive e trabalha em Lisboa e Malmo.

O processo de trabalho actual de João Leonardo parte de uma sistemática recolha de resíduos, neste caso específico, de beatas de cigarros. Este material é depois organizado em colagens e esculturas que reflectem sobre a fragilidade da vida humana. Na peça apresentada no projecto Lonarte apresenta-se uma secção de um desenho de uma caveira. A caveira enquanto símbolo da morte é uma imagem recorrente da história da arte, mas o artista sublinha que a mesma imagem pode ser entendida como um símbolo de renovação e regeneração: de facto do ponto de vista da biologia os ossos são complexas estruturas celulares que se renovam e regeneram completamente em cada 7 anos.

MARSHALL WEBER

2011-09-20T04:08:00.000-07:00

Nasceu em 1960 em Syosset (Nova Iorque)

Estudos

MFA San Francisco Art Institute - 1983

BFA san Francisco Art Institute - 1981

Vive e trabalha em Brooklyn, Nova Iorque

Marshall Weber, desde sempre esteve envolvido no movimento Pró-Paz. Em 1968, aos oito anos, assistiu ao “Vietnam Moratorium” uma marcha que teve lugar em Hartford, Connecticut.

A partir daí tem participado em inúmeras manifestações, ajudando a organizar projectos, campanhas, protestos e intervenções a favor da Paz. Confessa-se particularmente impressionado com a participação dos ex-combatentes de guerra, que considera essenciais no movimento Pró-paz, pois os soldados são, tal como os civis, vítimas da máquina de guerra.

Ao longo dos últimos anos Marshall Weber tem tido um grande trabalho de apoio a membros dos IVAW - Iraq Veterans Against War (Veteranos do Iraque Contra a Guerra) na sua luta contra as práticas brutais protagonizadas pelas Forças Armadas dos Estados Unidos.

A imagem apresentada "Toy Soldier" (Soldado de Brinquedo) foi desenvolvida para o portfolio "War is Trauma" (A Guerra é trauma). Esta resulta da primeira colaboração internacional entre Booklyn, Justseeds e IVAW. Contará com gravuras de 30 artistas muma tiragem de 130 exemplares que serão utilizados para educar as comunidades à cerca das péssimas condições de saúde mental de muitos soldados e dos limitados recursos destinados a tratamento de problemas de saúde mental dentro das forças armadas americanas.

Este projecto revela também a cumplicidade entre os serviços militares dos EUA e a indústria farmacêutica na exploração de soldados doentes. Esta ligação é crucial pois um aspecto importante do movimento Pró-Paz é lutar para que todos tenham acesso a cuidados de saúde.

PATRÍCIA SUMARES

2011-09-20T04:04:00.000-07:00

Nasceu em 1969, no Jardim do Mar

Estudos

Licenciatura em artes Plásticas | Escultura pelo ISAD – Instituto Superior de Arte e Design da Madeira

Vive e trabalha na Calheta.

(...)Há um lugar no mundo que se designa «jardim do mar». Versões futuristas apontam os oceanos como solução viável no confronto de reduto da Terra.
Os trabalhos de Patrícia Sumares, ramificam-se num pressuposto multiplicador que redimensiona O OLHAR de quem os observa. A artista «desenha», compõe, molda o essencial da natureza circundante, transportando-nos num semblante de permanência, como se de uma matriz se tratasse, um desocultar.

A seriação estrutura o espaço, reorganiza os seus projectos, cuja mensagem se degladia com um dizer particular da própria vida da autora. Os rostos, linguagem comum de trabalhos mais recentes, não identificam alguém em particular, mas comungam de um gene familiar ao qual nos vamos habituando. São personagens de lugar nenhum, vivos através da memória de um sítio que nos ultrapassa. Figuras humanas «justapõem-se» numa organização formal que dá lugar à instalação ou a um volume escultórico. Patrícia Sumares demarca-se, pela componente da escultura, vertida numa identidade de lugar, personalizada de cunho relevante. O espaço expositivo, a ela pertence – a artista – e é reformulado, pelas obras, servindo de indicador/mapa de uma mensagem interna que a mesma «partilha». Em menor número, encontramos as mulheres no domínio da escultura e, talvez por isso mesmo, Patrícia Sumares assimila, nos seus objectos, uma conduta da natureza enquanto Mãe-Terra, compressão ou amálgama do corpo/ilha. A arte em P. Sumares, refaz-se numa narrativa em crescendo, motivada pela condição reprodutora. Na auscultação acesa dos dias, a autora sulca candura ou cansaço, sinais ou ritos, «tatuados» pelo avesso dos trabalhos que descrevem a atmosfera que nos cerca. O feminino, permanece na memória de quem toca e vê as peças da artista, tornando-as lugares de incitação à fala.

Paulo Sérgio BEJu, Abril 2011

GRAÇA MORAIS

2011-09-20T04:01:00.000-07:00

Nasceu em Vieiro, Trás-os-Montes, em 1948.

Concluiu o Curso de Pintura na Escola Superior de Belas-Artes no Porto em 1971. Entre os anos de 1976 a 79 vive em Paris, como bolseira da Fundação Calouste Gulbenkian. Actualmente reside e tem o seu atelier em Lisboa. Desde 1974 até 2011 realiza e participa numa centena de exposições individuais e colectivas, dentro e fora do País.

Em 2008 foi inaugurado o Centro de Arte Contemporânea Graça Morais em Bragança, da autoria do arquitecto Souto Moura com uma exposição de obras da Artista representativas das séries entre 1982 e 2005. Ciclicamente são renovadas as exposições nas salas destinadas à sua obra.

Graça Morais está representada em várias colecções privadas e públicas: Assembleia da República, Millennium BCP, Banco Espírito Santo, Banco Português de Negócios, Culturgest, Fundação Mário Soares, Cooperativa Árvore, Fundação Luso-Americana, Caixa Geral de Depósitos, Caixa de Crédito Agrícola de Bragança, Ministério da Cultura – Museu de Serralves, Ministério das Finanças, Museu de Angra do Heroísmo, Museu Municipal de Vila Flor, Museu Abade Baçal de Bragança, Museu Anastácio Gonçalves em Lisboa, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Brasil, C.A.M. – Fundação Calouste Gulbenkian, Colecção da Fundação Paço D’Arcos, Colecção Manuel de Brito, Colecção do Centro de Arte Contemporânea Graça Morais.

Ilustrou e colaborou com poetas e escritores, como: Agustina Bessa-Luís; José Saramago; Miguel Torga; Sophia de Mello Breyner Andresen; Pedro Tamen; António Alçada Baptista; Manuel António Pina; Nuno Júdice; Clara Pinto Correia; José Fernandes Fafe; António Osório; Ana Marques Gasta; José Carlos de Vasconcelos, entre outros.

CALEB DUARTE & MIA EVE ROLLOW

2011-09-20T03:58:00.000-07:00

Cleb Duarte nasceu no México em 1977

Mia Eve Rollow nasceu em Chicago em 1984

Caleb Duarte y Mia Eva Rollow conheceram-se em 2008 enquanto estudavam no Art Instituto de Chicago. Após o seu primeiro semestre estudando, Rollow sofreu um acidente de automóvel ficando paralitica da cintura para baixo, regressando novamente aos seus estudos após sete meses de recuperação.

Com esta nova realidade, Rollow começou a explorar um novo comportamento resultado da mesma, colocando de parte as barreiras impostas entre a arte e a vida, o que rápidamente levou a criar tendo como base o corpo com objecto escultural, levando suas acções para espaços públicos e privados.

Por outro lado o trabalho de Caleb Duarte resulta da exploração de ideias sobre a problemática da imigração global, do corpo em relação à arquitectura e das ideias e ilusões sobre o conceito de casa.

Estas perfomances escultóricas foram levadas a cabo nas Honduras e Chiapas México, com crianças trabalhadoras que vivem no centro da cidade do México e com as povoações recentes de imigrantes que actualmente vivem no estdo da California.

A obra apresentada para o Lonarte 11 da autoria de Rollow e de Caleb Duarte resulta da criação de uma série de dez acções que desenrolam nos desertos da California nos Estados Unidos e no Norte América. Os temas abordados relaconam-se com a migração, com a mobilidade física e social e com os movimentos primários dos animais feridos.

Mia explora também os poderes que estão por de trás da entrega, da vulnerabilidade e da aceiptação, enquanto se move através de uma nova vida sentindo uma maior atracção gravaticional em relação ao centro da terra.

MIGUEL PALMA

2011-09-20T03:52:00.001-07:00

Nasceu em 1964, Lisboa

Vive e trabalha em Lisboa.

Desenvolve projectos artísticos em vários formatos e áreas desde 1989 e as suas peças exploram assuntos relacionados com o desenvolvimento tecnológico desenfriado, propondo caminhos (irónicos e) alternativos para esta necessidade de "novo".

Estas abordagens são frequentemente relacionadas com áreas tão díspares, tais como: a ecologia, a fé nas imagens, a ideia de poder, o universo infanto-juvenil, a obsessão pela máquina.

A sua obra estende-se em desenho, escultura, instalações multimédia, vídeo, livros de artista e performance.

Das muitas exposições realizadas, destacam-se : (PT) Fundação Calouste Gulbenkian, Museu Berardo, Culturgest, Museu Nacional de Arte Contemporânea / Museu do Chiado - Lisboa; Museu Serralves - Porto; (UK) Bloomberg Space - London; (USA) Prospect.1 – Bienal de New Orleans; Location One, ISE Foundation - New York; Faulconer Gallery - Iowa; (LUX) MUDAM - Luxemburg; (ES) Museu Pateo Herreriano, Centro 2 de Mayo - Madrid, Laboral - Gijón; e (FR)Villa Arson - Nice.

Miguel Palma já foi artista residente na Location One-NY, USA; ISCP-NY, USA; Headlands - Center for the Arts-CA, USA e Montalvo Art Center, San Jose, California - Bienal Zero 1.

Actualmente, Miguel Palma é representado pela Galeria Nicholas Robinson em Nova Iorque e apresenta uma exposição antológica no Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian.

ANTÓNIO RODRIGUES

2011-09-20T03:48:00.000-07:00

Nasceu no Funchal, ilha da Madeira

Estudos

Licenciatura em Artes Plásticas | Escultura pela Escola Superior de Belas Artes de Lisboa - 1977.

Douturando em Estudos de Arte na Universidade da Madeira 2004/2009.

Vive e trabalha na Madeira

Redesenho reenquadrado. feltro s/ papel. 2011

(referente: auto-retrato. caneta permanente s/papel. 1974)

Considero-me uma pessoa que tenta ser o mais simples possível e deixar que a vida lhe traga os problemas que ele vai tentar resolver se puder, mais nada.

Provavelmente todos nós nascemos com igual possibilidade de criar, só que muitas vezes não acertamos no campo em que poderíamos triunfar, ou a vida de uns põe condições que não permitem de nenhuma maneira que a nossa poesia se afirme.

(in, Citações e Pensamentos de Agostinho da Silva, Paulo Neves da Silva, Casa das Letras, 2009)

POJUCAN

2011-09-20T03:45:00.001-07:00

Nasceu em Natal - Brasil

Vive e trabalha no Rio de Janeiro

Pojucan morou parte da sua vida no Rio de Janeiro, onde desenvolveu uma ampla carreira nas artes Visuais.Ilustrador, designer gráfico, cenógrafo, videodesigner.

Trabalhou durante vinte anos em televisão, desenvolvendo projectos de animação e identidade visual. Como designer gráfico, criou mais de duzentas capas de discos e foi indicado ao Prémio Sharp de Música pelo projecto gráfico de uma das suas capas.

Trabalhou nos jornais O Globo e Jornal do Brasil como ilustrador e articulista visual. Foi o criador da imagem gráfica do colunista Tutty Vasques e ainda hoje colabora como jornalista ilustrando sua coluna dominical no jornal O Estado de S. Paulo. Recebeu o prémio Abril de Jornalismo na categoria ilustração editorial para revista.

Lecionou na Pontifica Universidade Católica do Rio de Janeiro ( PUC – Rio) e na Escola Superior de Design Digital.

O Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro realizou uma retrospectiva do seu trabalho gráfico.

FERNANDO AGUIAR

2011-08-28T06:34:00.000-07:00

Nasceu em 1956 – Lisboa, Portugal

Estudos

Licenciado em Design de Comunicação pela Escola Superior de Belas-Artes de Lisboa.

Doutorando em Arte Multimédia pela Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa.

Vive e trabalha em Lisboa.

Fernando Aguiar desenvolve, levando ao seu extremo, a tentativa de transversalidade que instaura a poesia visual. Este artista procura articular as diversas disciplinas artísticas, que ele utiliza, de modo a constituir uma obra de referencialidades e relacionamentos variáveis.

Talvez não seja apropriado utilizar o termo corpo para a obra deste artista, uma vez que a diversidade de técnicas e médiuns empregues na sua constituição, invalida qualquer relação de carácter antropomórfico como também qualquer possibilidade de a assemelhar a um simples corpo textual. O modo como se estende e se produz a obra de Fernando Aguiar faz-nos identificá-la com uma rede. É nessa rede que se processam continuamente os reenvios dos momentos de enunciação que tiveram lugar nas performances realizadas pelo artista.

Deste modo, parece mais pertinente identificar as pinturas, os livros e as acções poéticas deste artista, como elementos constituintes de uma extensa rede em que não há nem saídas nem entradas previamente estabelecidas. O que há é simplesmente um constante jogo de relações de intensidade que provocam diferenças de potencial entre esses elementos, permitindo assim, o continuo fluir das imagens, das mensagens. Em última instância, na obra de Fernando Aguiar existe a vontade de um autor em procurar expandir os domínios e acessibilidades dessa rede na finalidade de integrar cada vez mais o maior número possível de participantes, e paralelamente existe também, a secreta esperança de reconhecer-se num qualquer estremecimento provocado pela intensidade dessas comunicações.

Augusto Carvacho in “Dinâmicas a partir do Inevitável”,

Centro de Artes e Espectáculos, Figueira da Foz

ANTÓNIO BARROS

2011-08-24T07:56:00.000-07:00

Nasceu em 1953 – Funchal, Ilha da Madeira

Estudou

Facultat de Belles Arts, Universitat de Barcelona

Universidade de Coimbra

Vive e trabalha em Coimbra

[ Obgestos ] • Segmento: 2.3

Em “Artistas Portugueses na Colecção da Fundação de Serralves” é o director do Museu, João Fernandes, quem enuncia: “António Barros é dos nomes relevantes do contexto da poesia experimental e das artes performativas em Portugal. A obra de António Barros objectualiza e espacializa o texto, explorando novas polissemias originadas pelo cruzamento da textualidade com uma visualidade iconoclasta e irreverente”.

De sensibilidade fluxista, a sua obra convoca não só uma arte de situação debordeana como ainda a Escultura Social de Joseph Beuys, tendo também trabalhado com Wolf Vostell no Vostell Fluxus Zug, Das Mobile Museum Kunst Akademie em Leverkusen.

Se as suas artitudes convocam o situacionismo de Guy Debord ao visitar a poésie directe francesa, Lawrence Ferlinghetti, pioneiro do Movimento da Beat Generation para a poesia - quando destaca a obra performativa “Revolução” em Cogolin, 1986 -, e Julien Blaine-ao publicar “TrAdição” e “Escravos” na revista Doc(k)s -, são quem primeiro internacionaliza a arte de António Barros.

Esta última atitude em objecto-texto, é a que em 1984 um júri-integrando Sophia de Mello Breyner Andresen, David Mourão Ferreira, Urbano Tavares Rodrigues, José Carlos de Vasconcelos, Maria Velho da Costa e Manuel Alegre –, destacou no Concurso Nacional de Poesia 10 Anos do 25 de Abril, resultando este texto num elemento identitário do seu percurso “Visualista” - onde o objecto e a palavra sinergicamente se insinuam.

A resiliência com que sinaliza os seus gestos de escrita [progestos], leva-o ainda à territorialidade do objecto escultural, vindo a criar, e para além dos seus múltiplos environments como “Algias, NostAlgias” e “Amant Alterna Camenae”, o Prémio de Estudos Fílmicos Universidade de Coimbra, com que foram laureados Alain Resnais, Manuel Oliveira e João Bénard da Costa.

ANTÓNIO NELOS

2011-08-24T07:50:00.000-07:00

Nasceu na Madeira em 20 de Outubro de 1949

Estudos

Bacharelato em Artes Plásticas e Design no Instituto Superior de Artes Plásticas da Madeira

Licenciatura em Design de Comunicação na Faculdade de Belas Artes de Lisboa.

Estudos de serigrafia e design gráfico em Bruxelas.

Vive e trabalha em Setúbal

O “projecto” que apresento insere – se numa área de trabalho que tenho desenvolvido desde os anos 80, a electrografia.

Tem como ponto de partida, a recolha e selecção de imagens recolhidas de jornais e revistas e seu tratamento e transformação através da fotocopiadora.

As imagens são submetidas a uma série de operações e manipulações que as transfiguram. A intervenção da máquina participa dessa transfiguração e aí há sempre qualquer coisa que nos ultrapassa e nos conduz a territórios desconhecidos e fascinantes.

Na obra que apresento há uma sobreposição de elementos mecânicos com elementos orgânicos e também linguísticos. O elemento orgânico em destaque é o corpo humano, dilacerado pelas contingências do tempo. Mas é apenas um fragmento, de uma realidade maior e terrível.

Como diria o meu amigo relojoeiro “as horas todas ferem, a última mata”

SILVESTRE PESTANA

2011-08-24T07:46:00.000-07:00

Nasceu em 1949 – Funchal, Ilha da Madeira

Estudou

Licenciatura em Artes Gráficas e Design pela E.S.B.A.P 1980 Pós – Graduate in arts and Design Education pela De Montford University | Leicester, England 1996.
Master in Arts – Art and Design Education pela De Montford University | Leicester, England 1998.

Vive e trabalha em Coimbra

Reflexão do artista:

Nas sociedades formatas pelos meios de informação global “a realidade” apresenta-se como uma ficção sofisticada de emoções fabricadas que são apresentadas ao grande público como últimas e incontestadas soluções.

Cabe ao artista enquanto cidadão refrear esse narcisismo apocalíptico de permanentes desgraças anunciadas e em seu lugar falar sempre de uma realidade “outra” que ultrapasse o poder esmagador do programa oficial ficcionado.

Silvestre Pestana

XAVIER TAVERA

2011-08-24T07:44:00.000-07:00

Nasceu em 1971 – México

Estudou:

MN Photography no Minneapolis Colege of Art and Design 1997|98

Law School, Universidad Autónoma Metropolitana, México 1993 | 96

Vive e trabalha no México

Instruções para quem observa a lona

Olhe para cima e veja com os pés bem postos no chão os equilibristas a deslizar na corda. Você sentirá um estranho vazio no estômago que pode ser destruído olhando para o chão. Olhe novamente para cima, lembre-se que entre seus olhos e os equilibristas há um abismo.

Pense no vento que acaricia os equilibristas no seu caminho de volta sem poder entornar o copo de vidro. Veja como cada passo que dão para a frente aproximam-se mais do outro lado e os distanciam do ponto de partida. Sentirá que talvez seja um pouco de tonturas, porque olhando para cima, não é possível ver o chão por onde eles andam. Elimina a vertigem olhando novamente para a corda que os sustenta .

Sinta o seu peso distribuído nas solas dos seus pés e imagine o peso dos acrobatas num cabo estreito. Assim como você compartilha os efeitos da gravidade com o resto do mundo, também compartilham da mesma fraqueza sentida pelos andadores suspensos no ar. Respire profundamente, ao caminhar pense sempre no apoio do chão em cada passo que dê e lembre-se, mais que voar, o equilibrista anda pelo ar.

Xavier Tavera

ANA VIDIGAL

2011-08-24T07:40:00.000-07:00

Nasceu em Lisboa, em 1960.

Estudos

Curso de Pintura da Escola Superior de Belas-Artes de Lisboa em 1984.

Bolseira da Fundação Calouste Gulbenkian (1985/1987)

Estágio de Gravura em Metal com Bartolomeu Cid, Casa das Artes de Tavira (1989).

Vive e trabalha em Lisboa.

“O modo como Vidigal lida com o ornamento e o decorativo – papéis de embrulho, padrões múltiplos e variados – é subtilmente cáustico. Equaciona os padrões oriundos das mais banais funções – florinhas, bonecos, papéis de parede, moldes de revista de costura – com o vocabulário modernista e abstracto-geométrico. “

“Sem nunca ser ostensiva ou propagandística mas sempre lúdica, por vezes marota, a obra de Vidigal é atravessada pela crítica social e de costumes à sociedade portuguesa: uma espécie de retrato iconográfico dos últimos trinta anos de uma jovem democracia ainda atravessada por muitos anacronismos, moralismos e assimetrias. Não o faz através de dispositivos como o documentário, a entrevista, o depoimento ou os documentos históricos, mas antes por um vocabulário artístico constituído a partir das imagens com que crescemos, dos livros infantis à banda desenhada – os primeiros veículos de concepções do mundo e da sociedade que nos enformam e formam.”

“Estamos então perante alguém que «arruma» a história por cores e imagens, e não por datas e factos, que entrelaça a chamada alta e baixa cultura, o suave com o duro, o imediato com o complexo, o plano pessoal com o social e político (…)”

Isabel Carlos

in catálogo da exposição Menina Limpa Menina Suja,

CAM, Fundação Calouste Gulbenkian

Julho - Setembro 2010

MIGUEL YONAMINE

2011-08-24T07:37:00.000-07:00

Nasceu em Luanda, em 1975

Vive e trabalha em Lisboa

«Somos o lixo do mundo»

Esta frase retirada do filme Fight Club (David Fincher, 1999) poderá ser aplicada quer à condição humana, especialmente na cultura contemporânea, quer igualmente à forma como certos artistas trabalham hoje em dia.

No caso de Yonamine esta sentença tem um duplo sentido: pela via dos materiais que utiliza, reciclando memórias e objectos que vai encontrando no seu percurso, e pela forma como dirige uma crítica viva e humorística dos factos históricos e sociais do nosso tempo...

Yonamine duvida, questiona, e ao fazê-lo traz à superfície os espectros que voluntariamente deixamos adormecidos. Desta maneira, procede a um inquérito exaustivo e pessoal do material humano que está à sua disposição, resgatando as dores do mundo numa estética oposta a este sentimento: pop, viva, colorida, fresca e divertida.

Este artista traduz, no verdadeiro sentido da palavra. Retoma determinadas linguagens provenientes do seu background, pela via da tradição que permanece (como acontece com as referências tais como as escarificações tribais e as kinguilas angolanas) ou pela via da actualidade (em acontecimentos recentes da história), e procede a uma espécie de traição operada pela arte da originalidade das mesmas.

Não é apenas no conteúdo que este artista é complexo e multifacetado. O seu modus operandi varia desde a colagem, à pintura, ao grafitti e ao vídeo, dedicando-se à tela como um construtor de mundos, destruindo unidades espaciais, temporais e materiais.(...)

Carla de Utra Mendes, Lisboa 2011

LUIS AMIM

2011-08-24T07:31:00.000-07:00

Nasceu em 1959 na Fajã da Ovelha, Calheta, Madeira

Estudos:

Frequentou o atelier livre do Instituto Superior de Artes Plásticas da

Madeira, 1981 | 85, como aluno Extraordinário estudando.
Gravura e Desenho entre 1982 e1983; Fotografia de Laboratório entre

1985 | 86.

Vive e trabalha em Lisboa

Homenagem.

Nasci na Fajã da Ovelha e vivi na Ponta do Pargo.

Tenho como referência na minha vida os meus primeiros anos de existência no campo, durante a minha infância e parte da minha adolescência

vivi, convivi e participei nos rituais do campo com as pessoas destas freguesias em que lhes chamo de minhas gentes.

Estas gentes simples e humanas eram ricas na sua cultura e conhecimentos ancestrais que foram passados de geração em geração.

Adquiri assim por transmissão o meu maior património humano da minha gente. É com este património de convivência que tive, que me dá a calma, o equilíbrio e a harmonia para criar arte e também para viver no meio urbano turbulento, caótico, excêntrico e contraditório que é a vida na Capital.

A homenagem que presto às minhas gentes principalmente as do passado não é nenhum saudosismo mas sim um simples obrigado.

Nesta obra que é abstracta, representa simbolicamente as minhas gentes, nela expressa também uma espiritualidade ancestral, diria mesmo gótica, imaginemos portanto que estamos dentro de um monumento Gótico a sentir toda a sua comunicabilidade, que ele tem de nos elevar os espíritos aos céus. Pois bem, esta obra aqui exposta seria por ventura um dos seus vitrais que emana a sua luz envolvendo o espectador no seu retiro espiritual.

WANG PING

2011-08-24T07:29:00.000-07:00

Nasceu em Shanghai, China

Vive e trabalha em St. Paul, Minnesota, EUA

Wang Ping nasceu na China e chegou aos EUA em 1986. Fundadora e directora do “Kinship Rivers Project ”, um projecto que iniciou à cinco anos e que constrói um sentimento de parentesco entre as pessoas que vivem ao longo dos rios de Mississippi e Yangtze através da troca de presentes de arte, poesia, histórias, música, dança e comida . Conjuntamente com outros artistas e poetas, ela tem desenvolvido o ensino da poesia e da arte, esta última através de oficinas para crianças e idosos ao longo das comunidades ribeirinhas, produzindo milhares de bandeiras como presentes que serão trazidas para o Mississippi durante 2011-12 e para o Yangtze em 2013.

Na área da literatura as suas publicações incluem: Visa American (contos, 1994); Foreign Devil (romance, 1996); Of Flesh and Spirit (poesia, 1998); The Magic Whip (poesia, 2003); The Last Communist Virgin (contos, 2007); All Roads to Joy: Memories along the Yangtze (Brevemente 2012); all from Coffee House. Nova Geração: Poesia da China Hoje (1999), esta última uma antologia que ela editou e co-traduzido, sendo publicado pela Hanging Loose. Flash Cards: Poemas de Yu Jian, co-tradução com Ron Padgett, 2010 from Zephyr. Aching for Beauty: Footbinding in China (2000, University of Minnesota Press).

Vencedora do Prémio Eugene Kayden para o Melhor Livro de Ciências Humanas, em 2002, sendo que a editora Random House publicou o seu livro de bolso. Em 2008 ganha a distinção de Book Award Minnesota e Asian American Studies, com o seu livro : The Last Communist Virgin.

Expões regularmente, destacando-se exposições como a de fotografia e multimédia - Behind the Gate: After the Flooding of the Three Gorges” at Janet Fine Art Gallery, Macalester College, 2007 e “All Roads to Lhasa” at Banfill-Lock Cultural Center, 2008.

Colaborou com o cineasta britânico Isaac Julien no Ten Thousand Waves, uma instalação de filme sobre a imigração ilegal chinesa em Londres.

Wang Ping é recipiente aos prémios do National Endowment for the Arts; National Endowment for the Arts, New York Foundation for the Arts, New York State Council of the Arts, Minnesota State Arts Board, the Bush Artist Fellowship, Lannan Foundation Fellowship, Vermont Studio Center Fellowship, and the McKnight Artist Fellowship.

ISABEL SANTA CLARA

2011-08-24T07:26:00.000-07:00

Nasceu na Ilha da Madeira

Estudos :

Concluiu o curso de Pintura na AMBAM em 1775.

Docente no Centro de Artes e Humanidades da Universidade da Madeira.

Vive e Trabalha na Ilha da Madeira

A paisagem oferece, a nómadas e a sedentários, trajectos e obstáculos, pode ser inóspita ou habitável, fatal ou amena, vivida ou sonhada. Constitui a nossa possibilidade de conexão com o mundo, pois a ele acedemos através dessa acidentada superfície. Há muitas maneiras de pensar a paisagem, de ouvi-la, de falar dela, de mostrá-la, consoante a forma de transitarmos pela longa duração dos lugares.

Optou-se, talvez por imposição do espaço estreito e alto do suporte, por recorrer um objecto comum, feito para ligar espaços disjuntos, a diferentes alturas: a escada de mão, desmaterializada, no entanto, por uma aguada azul.

Assim se evoca a sucessão de andares entre o mar e a serra, dos basaltos às casas, dos verdes aos nevoeiros, sem a exaustividade da fitogeografia e da geologia, sem o registo da fotografia, da pintura ou desenho. Apenas se atenta na memória dos percursos, nas palavras e nos seus ecos, no trabalho da memória. Uma paisagem percorrida, vista e nomeada: areia, calhau, rocha, casas, poios, serra, nuvens, céu.

Isabel Santa Clara

KEVIN BRANDY

2011-08-24T07:22:00.000-07:00

Nasceu em Luxemburgo, 1989

Estudos
Escola Waldorf Luxemburgo, 1996-2004
Técnica de Pintura no Liceu Luxemburgo, 2004-2007

Vive e trabalha em Luxemburgo

Descobriu o fascínio pela pintura, explorando as cores e as composições desde a sua primeira infância. Este gosto deve à sua experiência na Waldorf School, em Luxemburgo, onde em 2007 fez um estágio e desde então tem trabalhado como um artista independente .

Kevin Brandy trabalha principalmente com tintas como o óleo, pastel e aguarela, que dão às suas pinturas um conjunto cromático rico, através destas componentes transforma as suas imagens através das cores fortes em dinâmicas radiações que contrastam com uma certa harmonia e paz.

Uma análise de suas fotos mais de perto e de forma mais ampla, percebemos que o artista tem um monte de atenção aos detalhes. Muitas vezes, uma cor não é apenas a cor em si, mas é uma mistura de muitas cores que o artista tem combinados e misturados.

Ao olhar para as obras de Kevin, tem-se a impressão de que o artista não só pinta o que vê, mas também o que ele vê em si próprio. Em cada uma das suas obras lida com sua vida pessoal, suas impressões, talvez até mesmo com seus problemas. Cada imagem tem seu próprio caráter e, assim, sua própria história que ele contém dentro de si, mas todos precisam descobrir por si mesmos.

Através de uma paciência extraordinária, Kevin consegue formar um conjunto equilibrado de diferentes elementos, onde é frequente complementar com recortes de jornal de cores vivas.

FRANÇOIS MENDRAS

2011-07-22T06:59:00.000-07:00

Nasceu em 1962 – Paris, França

Vive e trabalha em Paris, França

Donald agressivo e provável Mickey, arabesco, rosácea, motivos ornamentais abstractos, ervas, Fénix multicolor, arco-íris, rato branco, avião, Chapeuzinho Vermelho, lobo; não é fácil, de modo algum, discernir na obra de François Mendras uma temática bem definida, nem sequer um estilo reconhecível. O artista, na verdade, desliza sobre um registo de imagens catárticas que implica memória pessoal e cultura hertziana. A técnica utilizada é a mais clássica possível, ou seja, cera sobre madeira, mas com procedimentos diversificados que se empenham em justapor um trabalho de pintura bem controlada a outro mais « naïf » e de uma fingida imperícia. Fa presto, realismo simplificado, intenções deslocadas caracterizam a heterogeneidade e a ambiguidade deliberadas da intenção. Formas geométricas básicas, rigorosos, oriundas da arte construtivista ou da abstracção lírica, do gótico e do contemporâneo, são desorientadas por representações faceciosas decalcadas na banda desenhada ou nos contos de fadas. Na clivagem dos estilos – o mais e o menos elevado –, na mixagem dos géneros, a obra constroi-se na encruzilhada de citações em que se verifica o entrechoque de grande número de referências, aparentemente, sem vínculos coerentes: a simetria e sua quebra, o tratamento dos temas e dos fundos, a cor além do preto e branco, o horizontal e o vertical, o tabuleiro de xadrez em que se assiste ao confronto entre mito e banal.[…]

Estratagema ou não, a obra de François Mendras é a afirmação e a demonstração de sua concepção individual e de um real intemporal. As imagens obsessivas regurgitadas na parte inconsciente da pintura contribuem para alimentar a visão projectiva de uma modernidade colectivamente fantasmada.

Frédéric Bouglé

(extractos do texto publicado em « François Mendras », edição de Creux de l’Enfer)

LUIS FELIPE ORTEGA

2011-07-22T06:56:00.000-07:00

Nasceu na cidade do México em 1966

Vive e trabalha na cidade do México

Estudo para "linha quebrada" (2011) é um projeto onde eu retorno a preocupações que têm sido uma constante no meu trabalho por muitos anos: o corpo como material escultórico, os elementos geométricos (linhas) e da ação como um recurso para obter uma forma de tensão. Geralmente trabalham com diferentes meios e linguagens, em cada caso, faço um jogo de pares para articular minhas obsessões formais e conceituais, ou seja, trabalhar com o corpo implica uma preocupação pela fotografia e como eu posso obter uma imagem. No Estudo de "linha quebrada" Eu trabalhei com um modelo e queria definir a docilidade do corpo em relação à docilidade de um material, intuindo certos limites de ambos e deixar assim capturado numa imagem fotográfica. Estou interessado no diálogo entre os materiais, o desenho desde o espaço negativo que se forma entre eles (de pele e madeira). Esta imagem para LONARTE, também tem a particularidade de ter de respeitar dimensões estranhas aos meus parâmetros de produção fotográfica, então eu explorei este desafio partindo da linha horizontal que representa a lona que está pendurada numa área pública da praia da Calheta na Ilha da Madeira.

Luis Felipe Ortega, México, 2011.

JOHN FADEFF

2011-07-22T06:54:00.000-07:00

Nasceu em San Francisco, USA

Estudos

Estudou pintura e desenho com Thomas Leighton e com Margery Lester em San Francisco, CA - 1976-1980

Pintura e desenho com Serge Ivanoff em Paris, França 1979|80

Grau de Bacharelato em Cinema, com especialização em Belas Artes Universidade Estadual de San Francisco - 2005

Vive e trabalha em São Francisco, USA

Os trabalhos e as animações relacionadas com o trabalho de John Fadeff, são maravilhosamente misteriosos.

Tecnicamente eles estão situados na convergência da criação da imagem por si própria e das aplicações de animação digital de ponta.

A abordagem peculiar e experimental de Fadeff ao imaginário de baixa resolução das formas e das plantas, remete para o trabalho dos primeiros fotógrafos botânicos britânicos, Henry Fox Talbot e a sua amiga Ana Atkins, que igualmente capturavam fetos luminosos e outro tipo de flora local em colotipias unicolores, antes de 1840.

Fadeff afirma que muitas das suas impressões monocromáticas são de facto criadas através da pressão do seu pé, demonstrando desta forma o seu interesse em manter as coisas baseadas numa estética com pouco recurso à tecnologia.

Ao contrário dos primeiros exemplos de Fox Talbot e Atkins, as espécimes de Fadeff não são nem elegantes nem retratam formas perfeitas, exótica ou etéreas; as pequenas impressões de plantas de Fadeff são raras vezes reconhecidas como tal. Elas são mais evocativas de ervas pisadas, devastadas e obscurecidas pelo processo funk do artista.

Mas essas imagens temperamentais exibem, no entanto, uma nuance de sutileza inesperada e emoção que libertam a imaginação e curiosidade daquele que as vê.

Mark Dean Johnson, March 1, 2010

CERISTINA ATAIDE

2011-07-22T06:50:00.000-07:00

Nasceu em Viseu, 1951

Estudos

Licenciada em Escultura pela ESBAL, Lisboa.

 Frequentou o Curso de Design de Equipamento da ESBAL, Lisboa.

 Foi directora de produção de Escultura e Design da Madein, Alenquer

entre 1987 a 1996.

Integra o grupo de estudos do Atelier Fidalga, S. Paulo, Brasil desde 2010.

Vive e trabalha em Lisboa

Walk with me

Uma das componentes do meu trabalho é a paciente elaboração de listas.

A listagem é uma forma de nos apropriarmos das coisas.

Listei “todas” as montanhas do mundo e algumas palavras desse mundo.

A lista é imensa, a cadência de cada palavra dá-nos essa vastidão que nos envolve, nos energiza ou nos esmaga.

Neste pequeno desenho, algumas palavras integram-se e fazem parte dele. Pontuam o vermelho forte da montanha e levam-nos a outros sentidos, outros lugares.

C. A. Junho 2011

IAN BERRY

2011-07-22T06:47:00.001-07:00

Nasceu em Huddersfield, UK - 1984

Estudos Buckinghamshire Chilterns University – Design Gráfico e de Publicidade

Frist Class Honours 2006

Vive e trabalha na Suécia

Denimu usa tons de ganga para formar sua obra expressando seus pensamentos e memórias. Corta e rasga o Jeans desgastado que dá-lhe os contrastes das suas múltiplas cores de anil para construir imagens de rostos e paisagens.

É um material que o artista utiliza confortavelmente e que com muita frequência leva vestido. No entanto, embora seja um material que é tão pessoal para ele, também é tão omnipresente - para além das fronteiras, raça, idade, classe social e do próprio tempo. Uma relação com o passado. Ele a vê como sua própria linguagem fluente, a sua voz para o mundo, um material que possa ser entendido na maior parte do mundo.

O jovem artista Inglês está actualmente baseado no sul da Suécia, tendo vivido anteriormente em Londres e Sydney. Muitos dos seus trabalhos são inspirados na Suécia, local baptizado pelo artista por “lar” ou “a Americana”, inseparável dos jeans.

O seu projecto agora apresentado "Emergindo da água”, reflete sobre o local para onde a obra será apresentada (na promenade da Praia da Calheta) criando desta forma a figura de uma garota atraente que está emergindo do mar após um mergulho. A menina da praia com os cabelos molhados, foi executada através de peças de jeans à escala real. O original está assim apresentado no exterior e é complementado com a reprodução exposta na Galeria dos Prazeres.

Denimus gosta de criar um trabalho onde o público em geral possa demonstrar o seu interesse, e não apenas direccionar sua criação para os amantes da arte. Assim a utilização da ganga permite-lhe isso, pois é um material com o qual as pessoas estão tão familiarizadas. Ser capaz de mostrar o trabalho nesta configuração incomum, foi um factor de motivação para Ian Berry , pois o público pode visualizar na praia o sua criação, tendo em conta que muitas das vezes este tipo de pessoas não têm por hábitos passar pelas Galerias e Museus e assim podem desta forma ver o trabalho quando por ali estão de passagem.

ARA GOUVEIA

2011-07-22T06:43:00.001-07:00

Nasceu em 1946, no Funchal.

Estudos

Pintura na Academia de Belas Artes da Madeira e na

Escola Superior de Belas Artes do Porto (1964-68).

Vive e trabalha na ilha do Porto Santo

Ara Emanuel Mendonça Gouveia viveu em Bruxelas entre 1968 e 1975,
ao abrigo do Estatuto do Alto Comissariado para Refugiados das
Nações Unidas, tendo frequentado o 4º ano de Pintura Decorativa da
Academia Real de Belas Artes de Bruxelas. Frequentou também o
1º ano do curso de Design da Cambre e em 1970 fez um curso de
Cenografia, orientado por Pierre Joukuvsky.

Em 1999 é distinguido com uma Menção honrosa no 1º Concurso
Regional de Artes Plásticas da Madeira, organizado pela Casa das
Mudas, Calheta.

“Paisagens por onde passeio o lene olhar

Segredos que sinto com a palma da mão

Dunas de planície...

Mares do teu corpo”

Ara Gouveia, Eiras 2000

MARIA JOÃO FRANCO

2011-07-22T06:33:00.000-07:00

Nasceu em 1945 – Leiria, Portugal

Estudou

Licenciado em Pintura pela Escola de Belas Artes de Lisboa

Frequentou o Curso de Arquitectura da Escola de Belas Artes do Porto

Vive e trabalha em Lisboa

“...Anunciada assiduamente pela sua diversidade, o percurso coerente de Maria João Franco parece abalado, sem que as suas bases se ressintam, dado que esse ponto de vista implica diferença, a simbiose entre diferença e semelhança, o que, apesar de todos os paradoxos, confere uma força inusitada a estas massas onde algum fio de sangue aflora, e mesmo nos casos em que a autora representa (na boa memória académica) os nus falsamente envelhecidos na sua intocável frescura.

A forma plástica, em Maria João Franco, recupera do espaço da memória, da própria dor, com obstinação, a ideia e a imagem do corpo, mesmo quando este não se aperta entre os limites do campo e se projecta gestualmente no espaço. A liberdade do fazer, no acesso a qualquer metodologia e materiais próprios, não isenta o formador de pensar quais as razões da sua luta, quais as razões do seu objectivo, o que implica a criação ou aceitação de limites ou regras. Maria João sabe perfeitamente essa condição, porque a condição sobra mesmo quando traída com talento. Neste caso, a pintora está sobretudo ao serviço de si mesma, legando a alguém, a verdade da obra ser um destino de vida.”

Excerto do texto sobra a obra de Maria João Franco

publicado no JL por Rocha de Sousa

ANA TERESA FERNANDEZ

2011-07-22T06:31:00.000-07:00

Nasceu em Tampico, México

Estudos

MFA San Francisco Art Institute – 2006

BFA San Francisco Art Institute – 2004

Seu trabalho mais recente está a ser apresentado individualmente na Electric Works, na Bienal de Tijuana e no Museu de Oakiand. Basea-se num trabalho realizado em vídeo, através de uma projecção pública temporária 40`x 15` instalada tendo como alvo o trabalho de fundo criativo.

Foi convidada para fazer parte do Centro de Arte Greatmore, num programa de residência na África do Sul, onde criou um site-specific de arte pública permanente.

Premiada do Tournasol no Centro Headlands para as artes e convidada a fazer parte da Trienal: “Bay Area Agora 5”, no Yerba Buena Center for the Arts em San Francisco.

Completou residências em Jakmel, Haiti na Fondation D'Art Jakmel e, em Juarez, México, através da Fundação LEF. Era a receptora para o público do bairro Art Project Grant através da Arte Centro de Richmond, bem como na Capital Cultural Grant, através da comissão das Artes de São Francisco.

Foi distinguida com o prémio de Cultura pela Associação Nacional de Arte Latino.

O seu trabalho tem sido apresentado nos Estados Unidos com destaque para Galerias e Museus de Arte de São Francisco, Los Angeles, Chicago e Nova York, bem como no exterior tais como no Haiti, Costa Rica, África do Sul e México.

MARCOS MILEWSKI

2011-07-22T06:27:00.000-07:00

Nasceu em Córdoba, Argentina

Estudos

Desenho e pintura com o pintor Alvaro Izurieta em Córdoba, Argentina.

Frequentou a Escola de Belas Artes da Universidade Nacional de Córdoba, Argentina.

Estudou gravura com S.W. Hayter no Atelier 17, Paris, França.

Vive e trabalha no Funchal, Ilha da Madeira

Seria simplista tentar definir a pintura de Milewski segundo as correntes artísticas em voga ou associá-lo a um movimento estético específico, porque as suas fontes de inspiração são a confluência de várias culturas e influências.

O crítico e professor João Ferreira Duarte (Universidade de Lisboa) sublinha a auto-referencialidade e o jogo irónico que caracterizam o trabalho de Milewski nos últimos anos:"Por uma intrigante inversão irónica se pode dizer que a pintura de Marcos Milewski ilustra uma espécie de «ardil da representação», em que a dualidade essência/aparência (ou representado/representante) é convocada na memória cultural do observador para ser suavemente problematizada, radicalmente dissolvida. Os seus quadros funcionam como imagens de imagens, simulacro, alusões e citações saídas de mil centros da cultura, como diria Barthes, (...) recortes de outros signos, colagens de materiais iconográficos que povoam o universo visual que nos rodeia. Por isso, à boa maneira pós-moderna, o que a pintura de Marcos Milewski representa é, em última análise, ela própria".

(Catálogo da Exposição de Pintura "Navegações", Galeria SRTC, Funchal, Madeira, Portugal, 1999)

JUAN CARLOS BATISTA

2011-06-21T02:16:00.001-07:00

Nasceu em 1960 – Tegueste, Espanha

Vive e trabalha em Tenerife

A primeira guerra do golfo (1991) surpreendeu o artista, estando nessa altura em Nova Iorque. Apesar do problema de língua, percebeu que o mundo da arte em geral e das artes plásticas em particular, não tinham sido minimamente afectados. A partir desse momento o tema da guerra tem sido uma constante no seu trabalho.

“Na minha série soldados, de 1997 e Patologias de Guerra (1999-2002), transformei todos os soldados de brinquedos numa espécie de brutalidade e perversão, tentando desmitificar toda uma iconografia de guerra dirigida ao entretimento das crianças.”

Neste trabalho, acertadamente alguém sugeriu-me a alusão à obra de Goya “Desastres de Guerra”. Quando era pequeno, nenhuma imagem me impressionou tanto como a reprodução num livro da obra “Os Fusilados” de Goya...

Quando estava no exército, fazia parte de um grupo de operações especiais. Com os nossos fatos especiais e de toda uma parafernália de camuflagem, nós jogávamos a guerra como crianças grandes. No entanto esta não era a guerra. Na guerra, a morte está sempre presente e não faz nenhuma distinção, sendo geralmente menos implacável com os cobardes.

Acho que o meu trabalho reflecte sobre a distância entre a verdadeira guerra e a “barbárie abyecta”, ou seja entre aqueles que de facto passaram pela experiência real e aqueles que a vêem representada através dos filmes de guerra, revistas, anúncios de listagem para o exército, roupas militares, brinquedos, etc.

Esta viagem entre um soldado de plástico que é segurado pela criança e o campo de batalha onde essa criança é já um homem que chora e anseia por sua mãe, é uma iluminação inteligente pela sedução do engano.

Uma das peças que criei em 2002, intitulada “ Soldado Boccioni”. Um Híbrio , meio soldado, meio escultura Boccioni, com o título “ Formas únicas da continuidade no espaço”. Representa o futurista fascinado pela guerra e pela tecnologia. É uma sedução e fascínio da estética da guerra que realmente interessa. A tentativa de subverter esses estereótipos, faz parte do discurso do meu trabalho.”

ANTÓNIO JÚLIO DUARTE

2011-06-21T02:14:00.000-07:00

Nasceu em 1965 – Lisboa, Portugal

Vive e trabalha em Lisboa

Quando questionado sobre o seu trabalho por vezes afirma ser um produtor de documentos inúteis. Com a fotografia documental partilha a necessidade de uma representação não espectacular da realidade. Desenvolve também projectos sobre reciclagem e apropriação de materiais visuais.

Para o projecto de arte pública "Lonarte11" que terá lugar na promenade da praia da Calheta, apresenta uma reinterpretação gráfica da fotografia Portugal 1993 da série East West.

SAGAKI KEITA

2011-06-21T02:11:00.000-07:00

Nasceu em 1984 - Ishikawa, Japão

Vive e trabalha em Tokyo

O seu trabalho é feito basicamente através de uma caneta, partindo de uma imagem a preto e branco. Explora suas pequenas imagens como se tratasse de uma acumulação de caracteres. Estes últimos não são mais do que pequenas imagens, todas elas interligadas por forma a sugerirem à distância uma imagem na sua globalidade. Representa muitas vezes, uma obra prima, uma cidade ou um simples monstro.

No entanto, é realmente a acumulação de imagens que interessa ao artista explorar, pois funcionam como as histórias aos quadrinhos, como um diário pessoal. Como diz o artista “eu escrevi muitas histórias aos quadrinhos e foi a coisa mais iminente desde que eu era pequeno”.

Fortemente seduzido pela mandala, é como se expressasse a relação entre o ser humano e o universo, o todo e a parte. São as suas origens. Aborda a raiz e a origem da inspiração da sua criação baseada na mandala da pintura religiosa, do budismo esotérico, este último como foco de interesse inicial.

“O meu estilo de desenho desenvolve-se pouco a pouco e a partir de um canto, não necessitando previamente de realizar um determinado rascunho, pois este processo encaixa perfeitamente em mim. Assim o lugar onde desenhei não volto a tocá-lo.”

CELSO CAIRES

2011-06-21T02:05:00.000-07:00

Nasceu em 1958, Salvador, Torres Novas

Vive e trabalha no Funchal, ilha da Madeira

Celso Emílio Silva de Caires

Professor Agregado de Belas Artes | Professor Auxiliar

Artista Plástico e Designer.

Dedica especial atenção ao Desenho e à Fotografia enquanto domínios de representação, expressão e criação artística.

CARLOS ESTEVEZ

2011-06-21T01:59:00.000-07:00

Nasceu em 1969 – Havana, Cuba

Vive e trabalha em Miami, USA

Segundo o artista “A minha obra é a essência da representação de uma visão, que une todo um processo vivencial e reflectivo, assemelhando o mundo por forma a reintegrá-lo novamente através de imagens que simbolizam as minhas marcas perante o universo.

Concebi o meu trabalho de forma fragmentada. Uma espécie de ensaios ou frases que me oferecem mais em tom com a Dinâmica do pensamento humano, e daí que os meus trabalhos não são vistos como um fim, sucessão estilística, nem muito menos como uma armonia formal, mas sim orientadas para a diversidade com o intuito da fonte única “ O criador”, fazendo um único objectivo: a experiência cognitiva.

Cada uma das peças pretendem ser uma conclusão, quer da pergunta ou da resposta que se esgotam em si mesma, cumprindo as exigências da ideia, desenvolvida a partir da comunhão entre as conotações simbólicas e sugestivas da imagem e do material que contém.

Minhas fontes principais foram: “ Contenção enciclopédias como metáfora para um objecto (livro) de “conhecimento humano”. A História Universal da qual tenho apropriado os símbolos e as imagens para representar as minhas ideias. Finalmente, a experiência de vida cognitiva onde pretendo reformular o tratado pessoalmente da existência humana.”

PEDRO CALAPEZ

2011-06-21T01:54:00.000-07:00

Nasceu em Lisboa (1953)

Vive e trabalha em Lisboa

Sobre o trabalho de Calapez ... “por um lado, a heráldica e a complexidade sígnica a si associada; por outro, a geografia e o território, palavras com cunho político-militar que evocam problemáticas como o imperialismo e a visão do mundo pós-colonial. Fixadas à parede de modo "flutuante" e dispostas segundo um diagrama pré-determinado, as obras ecoam-se mutuamente, seja pelos padrões que configuram e a singularidade cromática que manifestam, seja pelas referências teóricas que convocam. Com uma malha interpretativa balizada pelo design retro e atmosferas de cariz utópico, a par de quadros ideológicos variados, estas obras sintetizam os laços tecidos por Calapez entre a sua prática artística e tópicos prementes da actualidade.”

excerto do texto de Miguel Amado

URBANO

2011-06-20T09:21:00.000-07:00

Nasceu em 1959 – Ilha de São Miguel, Açores

Vive e trabalha em Lisboa e nos Açores

AS FLORES E AS CINZAS

Todos os anos grandes incêndios destroem milhares de hectares de floresta deixando a terra coberta de cinzas, de onde, na primavera, pequenos rebentos e plantas irrompem e, teimosamente, voltam a cobrir tudo de verde. Assim no que antes era uma imagem de devastação e de morte voltam a habitar sinais de cor e de vida.

Neste trabalho, dos materiais utilizados, a cinza e a terra tem sempre presença. Se por um lado a cinza é último estado da matéria, a terra é o lugar onde tudo nasce e renasce.

Urbano

GUILHERMINA DA LUZ

2011-06-20T09:07:00.000-07:00

Nasceu em 1947 – Ponta do Sol, Madeira

Vive e trabalha no Funchal

Somos sempre personagens

de um livro maior que a vida que a morte

que tudo o mais

Que o diga quem escreve histórias

Personagem prisioneira das personagens que cria

E na história que me coube

no livro maior que a vida que a morte

que tudo o mais

a Personagem que sou interpreta o seu papel

Desnuda a alma quando fala de si mesmo que minta

Quando expõe o que faz partilha pensamentos

desejos ansiedades mesmo que falsos

E serve-se do Arco do Céu para sair do inferno

sem cor da cor do breu

Provoca o fruidor quando vende a retalho as grandes telas

que ninguém ousa comprar

Quando um concurso acompanha a exposição

e muitos tentam ganhar

Ou quando oferece livros com votos de Feliz Natal

Ou ainda quando mostra rostos e corpos vazios

num labirinto impossível que muitos querem romprer

E mostrou o modo obsedante como usava os pictogramas

dos Povos do Nordeste de Angola

E as simples narrativas primevas encantatórias

quais tatuagens perenes povoam formas e fundos

e figuras esculpidas

E Tolentino Mendonça Padre e Poeta disse

(...) pratica uma rara arte: a de representar os sinais de Deus

a partir da memoria mais recôndita do tempo.

A arte dos primeiros humanos (Diário de Notícias, 27 de Maio de 1995)

Guilhermina da Luz

CATARINA MACHADO

2011-06-20T09:04:00.000-07:00

Nasceu em 1975, no Porto.

Vive e trabalha no Porto

“Talvez pela minha ligação desde que nasci, pelo contacto físico e também visual, diariamente, através da janela do meu atelier... o mar ser a minha maior fonte de inspiração sublimado nas minhas obras. Pela sua energia, pelos salpicos de água, pelos movimentos ondulados e as espumas fragmentadas... o mar desde sempre fez parte do meu imaginário artístico.

Transporto para a tela a sua energia através de movimentos rítmicos, criando esferas que se cruzam, procurando sempre transformar forças invisíveis em forças visíveis. Este “Mar Vermelho” foi criado a pensar no contraste cromático com o mar de intenso azul da Calheta.”

Catarina Machado, Miramar, 2011

FRANÇOISE PÉTROVITCH

2011-06-20T08:19:00.000-07:00

Nasceu em 1964, em Chambéry , França

Vive e trabalha em Cachan | Paris

Desde o início de 1990, Françoise Pétrovitch tem vindo a criar obras de arte únicas, que penetram profundamente no nosso mundo, “nourrishing” a partir dele, e ao mesmo tempo identificando como perturbadoramente íntimo.

Seguindo as histórias dos outros, na terra de vidro, na tinta de seus desenhos, dos quais ela tem sido um dos seus reinventeurs, Françoise Pétrovitch atrai-nos para um universo onde as palavras podem criar um mundo, e onde o silêncio revela o íntimo.

Françoise Pétrovitch faz da arte uma prática cotidiana, muito parecido com um hífen entre o mundo e si mesmo.

Ela nourrishes-se desta actividade diária, de sua capacidade de ouvir, e mistura histórias contadas por outras pessoas juntas, recolhe, regista em suas memorias, escrevendo suas memórias, lembranças dos antigos e dos feriados passados . Com isso, ela pinta um retrato para que todos vejam, permitindo que suas vozes sejam ouvidas em livros que ela gosta tanto de produzir.

Eles são também, por outro lado, obras de arte silenciosa, que ilustram um mundo interior, nourrished de uma maravilhosa e terrível imaginação, expressões de amor e medo.

Série após a série, na dança delicada de sua tinta e reunir-se de cores, ela se desdobra para nós cara a cara encontros perturbadores que combina o charme e estranheza inquietante.

Como uma tipologia das idades da vida humana e um inventário pessoal, as mulheres ganham vida e os valores que são muitas vezes sozinha e truncado levantar enquanto formas abstratas fluir das pernas dessas mulheres. Há também «apresentações» dos animais, as crianças siamesas unidas ternura, bonecas bela e monstruosa, e as crianças acenando com os braços. É como se estes valores devem agarrar um objeto, um ser, um animal ou um antepassado ao último, ou então desaparecer.

Tinta junta formas e temas em conjunto sobre o papel e revela um retrato brilhante de um povo estranho e familiar, temido e adorado. Um grito silencioso.

Alexia Favre | Director of MAC/VALVitry , France

Diário de Notícias - 11 de Junho de 2011

2011-06-12T12:58:00.001-07:00

LONARTE 11

2010-09-29T01:49:00.000-07:00

Lonarte é um projecto de arte pública, lançado pela Câmara Municipal da Calheta em parceria com a Galeria dos Prazeres e que visa dinamizar durante o período de verão a zona balnear deste município, o mais a oeste da Ilha da Madeira.

Presentemente a arte pública contemporânea é apresentada através de múltiplas formas de expressão, cada vez menos convencionais e muito distantes do tradicional monumento comemorativo.

Nesse sentido o público é cada vez mais solicitado a participar na obra de arte, sendo por vezes, o elemento central da sua construção estética, como revelam alguns trabalhos que apelam à fruição sensorial do cidadão.

Assim, falar de arte pública, implica desde logo uma exigência de abertura por parte do público, isto porque o seu conceito tem vindo a se alterar fruto das diferentes mutações que a própria sociedade foi gradualmente impondo e que não necessariamente passe tão e somente pelo facto das obras estarem instaladas em espaços considerados públicos.

Pretende-se com este projecto, onde participam cerca de 40 artistas oriundos dos quatro cantos do mundo, demonstrar e divulgar a expressão artística como um instrumento privilegiado de intervenção social. Descentralizar a criação artística contemporânea através de um suporte e de um formato pouco habitual por forma a dinamizar com esta iniciativa cultural a promenade da Calheta.

A autarquia, ao desenvolver o projecto Lonarte, pretende que este se torne num instrumento preponderante na revitalização e humanização da Praia da Calheta, lugar este de utilização pública, contribuindo para uma maior sociabilização e satisfação de todos. Possibilita-se, deste modo, a criação de sinergias entre áreas consideradas como pólos de interesse distintos, dando origem à criação de novos públicos e impulsionando um maior número de visitantes e de turistas, essenciais para o pleno desenvolvimento socio-cultural e económico do Concelho da Calheta.